中国名画赏析近代,如何欣赏中国画?

如何欣赏中国画?如何欣赏中国画？近现代中国画在技法上有哪些发展中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。如何欣赏国画?如何鉴赏中国画[转载]中国画对于我们每一位青年学生来讲都不陌生,对中国绘画的认识和理解中国画有着自己明显的特征。

中国画有着自己明显的特征。传统的中国画，依南朝谢赫的古画品录评论：讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响。

国画是要表现“气韵”、“境界”。中国画用纸中国画用纸种类广泛，如宣州所产宣纸，四川的皮纸，河南禹县布纸、湖南来阳棉纸等等，推而广之，不但是纸，绫，绢等织物都是绘画的材料。但宣纸种类多，产量高，品质好，其特性将国画要求的笔墨神韵能最好的发挥出来，且较绢等价格便宜，故宣纸几乎已成为国画用纸的代名词。宣纸分生宣和熟宣两种。

20世纪中国画坛最具传奇色彩的国画大师是张大千。张大千擅画山水、花卉、人物，尤善画荷花，独树一帜。工笔写意俱臻妙境。20世纪30年代就与齐白石齐名，并称“南张北齐”。张大千清楚自己的作品可以面向大众，容易受市场欢迎，被一般藏家所接受与喜爱，他在生前经常举办一些商业性的画展，参加一些酒会、沙龙等社交活动，以此来助推自己的知名度，扩大作品的受众面和影响力。

如何欣赏国画对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。

写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。

马”大中堂，赞叹不已，亲自量了画的纵横尺寸后说：“这是我所见到悲鸿马画中最大的一幅，要妥善保存。”......................................................【徐悲鸿励志学画】一天,一个外国学生很不礼貌地冲着徐悲鸿说:徐先生,我知道达仰很看重你,但你别以为进了达仰的门就能当画家.你们中国人就是到天堂去深造,

但是他知道,靠争论是无法改变别人的无知和偏见的,必须用事实让他们重新认识一下真正的中国人.从此,徐悲鸿更加奋发努力.他像一匹不知疲倦的骏马,日夜奔驰,勇往直前.那个外国学生,看了徐悲鸿的作品,非常震惊.他找到徐悲鸿,鞠了一躬说:我承认中国人是很有才能的.看来我犯了一个错误,用中国话来说,那就是有眼不识泰山.【徐悲鸿画马】杰出的画家徐悲鸿特别爱画马。

中国画对于我们每一位青年学生来讲都不陌生,但是对于如何鉴赏一幅中国画，恐怕有些同学很难说出个子丑寅卯来。长期以来，很多人一直凭个人感觉来品评，喜欢就肯定，不喜欢就予以否定，没有一个清晰的认识和可供参考的标准。中国画历史悠久、源远流长、门类繁多、形式各样，品评、鉴赏中国画或许本来就难有什么固定的标准，那么到底怎么来鉴赏一幅中国画的品质优劣呢？

一、气韵。中国画强调“外师造化，中得心源。”要求“意存笔先，画尽意在。”做到“以形写神，形神兼备。”这里所说的“意”和“神”就是指的“气韵”。“气韵”是中国绘画艺术领域当中特有的字眼，也是中国画当中最重要的构成元素。她并不是实质的、具体的某种东西，而是一幅画当中，作品客体作用于鉴赏主体的一种意象的东西，具体体现在表现形式的匠心独运，布局安排的别出心裁，并尤其体现在笔墨运用的灵活和巧妙上，总体的画面表现上能抒发一种主观性灵，描绘一种美的意境，体现一种生活情趣，感官上给人一种美的享受和愉悦心情。

中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。

山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。

这个网址中的内容可能会对你有帮助，摘要：他们尚意趣、精笔墨、继承“士气”的元人绘画传统，表现自己的品格情怀。明清文人画哭也融入以笔墨韵味代替造型原则的理论。而且董其昌其也强调文人画的“士气”近代以来，关于中国画发生了三次争论，其核心问题是如何看待以文人画为特质的中国传统绘画，是集成还是抛弃。是西化还是完全继承，第一次争论中，，康有为陈独秀等要求进行美术革命，并完全采用西方写实手法改造绘画，而陈师曾等人则维护中国文人画的地位和价值，发表了<文人画的价值一文，对中国文人华，>对中国文人画进行了理论上的系统总结和阐释，第二次是四五十年代徐悲鸿提出的素描是一切造型艺术的基础，主张在艺术院校里中国绘画的学习必须从素描开始，而潘天寿等人则主张恢复中国画系，中国画应摆脱西画的学习应该独立法展和教学。

如何欣赏中国画？对中国画审美特征的理解会敏锐我们的直觉，欣赏时再结合想象，方能领略作品的文化背景和气韵、神韵、陶冶情怀。中国的书法与绘画是在一种特殊而古老的文明环境中产生的。几千年来，它们曾走过了从发端、童稚、成熟到升华变化，从实用到艺术化的漫长路程。毫不夸张地说，书与画是华夏民族的聪慧与创造力最集中的表现之一，并在某种意义上标志着华夏文明在古典文化艺术领域的最高水准。

历代那些稚拙的或者雄健的或者秀美的碑帖法书，那些神秘的或灿烂的或淡雅的绘画名品，都是我们民族的精华书画艺术家们(包括不知名姓的民间艺匠)以审美方式与主客体世界进行心灵对语的形象记录。这种对语有时达到了哲学化的高度，在“若坐、若行、若飞、若动”的纵横笔画之间，在“有丰致、有缥缈”的笔情墨象之中，蕴含着情思，也体现着“道”，表现着人格乃至对生命宇宙的体验。